Después de una pausa necesaria para desconectarse del ruido digital, el dúo caleño Dawer X Damper vuelve a la escena musical con el lanzamiento de Obra Negra, un EP de cinco canciones disponible en plataformas digitales desde el pasado 5 de noviembre. El proyecto, que toma como metáfora las viviendas en construcción de los barrios populares de Cali, funciona como un ejercicio introspectivo sobre la “prietitud”, sus raíces y su evolución artística.
Con la producción a cargo del mismo dúo junto a Mazio y Thiago, y la masterización de Santiago Montesdeoca, este trabajo incluye colaboraciones destacadas como la de la artista Ysa C en el sencillo principal, Champú, además de una propuesta visual dirigida por La Ruta Studio con el aporte artístico del pintor caleño Johan Samboní.
En conversación sobre esta nueva etapa —que tuvo su estreno en vivo durante el Mercado Musical del Pacífico en la Universidad Icesi—, los artistas profundizan en el significado detrás de cada ladrillo de esta obra.
¿Por qué fue necesaria esa pausa en su carrera y qué ocurrió en ese tiempo para que este EP tuviera un enfoque distinto?
Era una pausa muy importante para reencontrarnos. No es un secreto que las redes sociales y todo el entorno digital absorben mucho y hacen que uno se vaya perdiendo, cuestionándose y desviando el barco hacia otro camino, alejándose de sus orígenes. Ese tiempo sirvió para mirar hacia casa, de la puerta hacia adentro, para entender y valorar lo que ya tenemos y volver a ese sonido ancestral y característico que le dio identidad al proyecto desde el principio.
El concepto de Obra Negra hace un paralelo entre las construcciones de los barrios populares de Cali y su propia construcción como artistas. ¿Cuál es la esencia que buscan expresar con esta metáfora?
La necesidad puntual era volver al origen. Entendemos que toda obra terminada tiene unos cimientos, y reconocemos que, como seres humanos, somos obras en continua construcción. Queríamos mostrar que esa base es lo más importante desde cualquier punto de vista. Es un regreso a los fundamentos de lo que somos y de lo que representa nuestro territorio.
En la presentación del disco hablan de “prietitud”. Para quienes no están familiarizados con el término, ¿cómo lo definen?
La “prietitud” abarca todas las prácticas y la cotidianidad de la gente negra. Es una palabra que viene del portugués (pretitude) y se refiere a lo mismo que la negritud: el accionar diario, la resistencia y la cultura de nuestra comunidad.
Esta producción los llevó a reencontrarse con “el pedazo”, con el barrio. ¿Qué ven hoy en su entorno que quizás antes pasaban por alto?
No es que no lo viéramos, es volver a conectar y valorar lo que se construyó allí: la tía, el sancocho de los domingos, la señora de la esquina, la cuadra donde jugábamos fútbol con amigos que hoy ya no están. Cuando uno se pierde en lo digital y vuelve al barrio, donde pasan cosas difíciles, recuerda de dónde viene. El barrio te recuerda la fuerza y la resiliencia que tienes para inventarte y salir adelante.
De las cinco canciones que componen el EP, ¿cuáles son las piezas clave y qué simboliza cada una?
Son cinco canciones igual de importantes porque cada una levanta su propia bandera. Por ejemplo, El Rancho habla de cuando uno se va y quiere volver a ver a sus padres y la cuadra donde creció. BanKolombia es una oda a toda la fuerza del barrio, un espacio que nos permitió decir cosas desde nuestra identidad negra que antes no expresábamos en canciones más comerciales. Y Champú es un tema para dedicar, más romántico, donde colaboramos con artistas de la diáspora que admiramos mucho.
Siendo un grupo que suele abordar temas muy políticos y de identidad, ¿por qué era indispensable incluir un focus track romántico y de deseo como Champú?
Aunque en nuestras letras marcamos mucho lo que está pasando a nivel social, para nosotros también es fundamental hablar del amor. En medio de todo lo bueno y lo difícil de la cotidianidad, es necesario reivindicar ese romance y ese amor genuino como parte integral de nuestra experiencia.
A nivel sonoro, con la participación de productores como Mazio y Thiago, ¿cómo sienten que ha evolucionado esta nueva etapa?
Más que un cambio radical, es volver al sonido con el que originalmente imaginamos este proyecto, pero sumándole el crecimiento y el aprendizaje de estos años de carrera. Las herramientas que tenemos hoy nos permiten ser mucho más precisos y decisivos para llegar exactamente a lo que buscamos. Crear en colectivo es hermoso, pero a veces se diluyen las ideas de base; este EP es precisamente un regreso a esa esencia.
La propuesta estética del disco incluye dos videoclips y tres visuales dirigidos por La Ruta Studio, además de una colaboración con Johan Samboní, artista plastico caleño. ¿Por qué era tan importante que todo el componente visual se gestara y se produjera en Cali?
Era fundamental que Obra Negra se hiciera en Cali porque es nuestro lugar, el sitio donde crecimos. Aquí hay gente muy creativa que nos ayuda a plasmar nuestras ideas mucho más rápido. Colaborar con Samboní fue muy especial porque, primero que todo, es del barrio; nos hemos encontrado en diferentes actividades comunitarias pintando murales. Reconocemos su trabajo, su historia y su recorrido artístico. Además, nos parecía muy importante acercar dos mundos que en el arte a veces parecen lejanos, como las artes plásticas y la música. Lograr ese engranaje con él, siendo también un artista prieto, un artista negro de nuestro entorno, le dio un valor enorme al proyecto.
En 2022 fueron nominados al Latin Grammy por Donde Machi, álbum que ingresó en la lista de los 50 mejores discos en español de Rolling Stone. ¿Qué significó ese hito en términos de presión y cómo se regresa sin caer en la repetición?
Ese reconocimiento nos puso en el mapa latinoamericano; muchos artistas y productores empezaron a vernos como una referencia. En cuanto a la presión, es algo que uno mismo se impone. Los Grammy representan la cúspide a la que la mayoría de los artistas quiere llegar, y cuando uno alcanza ese punto inevitablemente se pregunta: “Bueno, ¿y ahora qué sigue?”. Es una exigencia interna que nace de las propias proyecciones que uno se hace sobre su carrera.
Recientemente fueron la imagen de la fachada de la Casa Spotify en Bogotá, llevando la representación de Cali a un espacio de gran visibilidad. ¿Qué significa para ustedes este respaldo de la industria y el recibimiento de sus seguidores en este regreso?
Sentir que plataformas como Spotify y nuestros propios seguidores siempre estuvieron ahí esperando música nueva nos llena de alegría. Regresamos con menos pretensiones, enfocándonos más en el proceso que en el resultado, pero ver estos logros termina llenándonos mucho. Son espacios de poder que no son fáciles de ocupar y agradecemos tener el privilegio de estar allí, viendo cómo la gente celebra lo que está pasando con el proyecto.
El lanzamiento oficial de este trabajo se dio con un concierto especial en el Mercado Musical del Pacífico, en la Universidad Icesi, estrenando un nuevo formato en vivo. ¿Cómo fue ese reencuentro con el público y qué novedades trae este espectáculo?
Volver a la tarima nos da una felicidad inmensa; estar en el estudio y en el escenario son las partes que más disfrutamos de este oficio. Este show es totalmente nuevo en cuanto a arreglos. Aunque tocamos canciones conocidas, tienen ambientes distintos y una nueva formación de músicos. Nos emocionó mucho ver que el público recibió esta propuesta con una sorpresa muy grata. Uno se esfuerza muchísimo tras bambalinas para ofrecer una experiencia amena, y sentir esa buena respuesta de la gente confirma que lo logramos.
Más allá de Champú, sus canciones suelen tener una fuerte carga de crítica y reflexión social. En términos sencillos, ¿de qué trata Bankolombia tanto a nivel conceptual como sonoro?
Es una forma sarcástica de señalar a alguien que está siendo hipócrita, falso o doble cara; es una tiradera contra la doble moral. Jugamos con el concepto del nombre —escribiéndolo con “K”— porque sentíamos que no había una plataforma más “caída” que esa, y de ahí nació la referencia.
Hace rato queríamos hacer una salsa choque, un género muy del Pacífico Sur y de la costa ecuatoriana que nace en territorios de gente negra y que siempre hemos escuchado en las fiestas familiares del barrio. Hacer salsa choque también es una postura política: no es un género más masivo no por su música en sí, sino por quienes lo interpretan. Para nosotros era clave reivindicarlo desde nuestro sonido.
¿De qué habla Cliché?
De los cuerpos negros en general. Al final, la gente quiere el cliché de la vida de la gente negra, pero no quiere vivir esa vida. Les gusta ir al Festival Petronio Álvarez, ponerse sus pantalones, sus collares, disfrutar esa exotificación que hay alrededor del cuerpo negro, pero nadie quiere habitar una piel negra con todas las situaciones sistemáticas que implica ser una persona afro en cualquier parte del mundo. Solo quieren lo “chévere” del estereotipo, y luego se despojan de ello y siguen con su vida normal.
El Rancho tiene un tono mucho más inclinado hacia la nostalgia y la memoria. ¿Cómo nació?
Cuando la hicimos estábamos pensando en ese montón de amigos y parceros que se han ido al exterior buscando una “mejor vida” y que, en ese camino, se separan de sus familias. Es una oda a ese deseo de volver al rancho, al barrio. Muchos quieren regresar, pero no pueden porque no tienen papeles. Es una contradicción muy fuerte: anhelar ver a tu familia y tener que conformarte con verla en fotos porque estás demasiado lejos, y a la vez reflexionar sobre cómo muchas veces, cuando la tienes cerca, no la valoras lo suficiente.
Tienen una colaboración con el artista panameño Mr. Saik en Rayao, el corte con mayor energía y el más fiestero del disco. ¿De qué se trata este junte?
Esta canción es más para el party, para la fiesta. Este EP tiene diferentes matices y con este tema queremos invitar literalmente a la gente a bailar, pensando mucho más en el ritmo y en la jerga. Aunque también nos da la oportunidad de tirar alguna pincelada política, su esencia principal es encender la pista.
En toda esta labor creativa —desde el concepto hasta la producción y las letras—, ¿qué aporta cada uno dentro del dúo?
Dawer: Mi hermanito Damper le da ese tinte más serio y más hip-hopper a las producciones. Él está muy bien informado en temas políticos; cuando vamos a abordar una problemática social o a hacer una canción con un sonido más fuerte y contundente, él es quien más le mete la ficha en la producción musical.
Damper: Dawer es como el director de toda esta película. Aunque somos dos y cada uno aporta su criterio y su esencia, él tiene muy claro hacia dónde quiere que suene y cómo quiere que se vea el proyecto. Los dos somos muy soñadores, pero Dawer es el que se va por las nubes imaginando ideas gigantescas y yo soy un poco más de poner los pies en la tierra para aterrizarlas y decir: “Esto sí, esto no”. Este proyecto nació en la cabeza de Dawer el día que me dijo “hagamos esto” y yo le dije que sí; esa es la dinámica con la que nos complementamos.
Ustedes representan uno de los relatos más inspiradores de la música urbana contemporánea en Colombia, pasando de la música tradicional a propuestas vanguardistas. ¿Cómo ven su familia y su comunidad en el barrio todo este recorrido?
Contamos con la fortuna de tener una mamá que nunca nos dijo que no; ella jamás trató la música como un simple juego o un hobby, siempre nos apoyó. Y para la gente del barrio, incluso para quienes al principio lo veían como un pasatiempo, era muy valioso ver a un grupo de pelados prietos imaginándose otras posibilidades en lugar de meterse en problemas o andar en malos pasos. Sistemáticamente, un joven afro en un barrio marginalizado parece condenado a terminar el bachillerato y no hacer nada más.
Gracias a líderes y lideresas de la comunidad entendimos que estábamos dentro de una burbuja que podíamos romper. Para la gente del “pedazo” siempre ha sido muy lindo ver que rompimos esa estadística y que hoy somos una referencia para que otros jóvenes entiendan que sí hay otros caminos.
Para la gente del “pedazo” siempre ha sido muy lindo ver que rompimos esa estadística. El feedback ha sido positivo porque el simple hecho de ser uno menos en la lista sistemática de lo que supuestamente debería ser un adolescente negro en un barrio popular ya es un logro enorme. A la comunidad no le importa tanto el aplauso por el aplauso, sino el mérito de haber hecho algo distinto. Y vuelvo a mi mamá: ella siempre nos dijo “sí a todo”, y ese respaldo fue un golazo para nosotros.
Con todo este camino recorrido y el impacto que tienen en los jóvenes del Distrito de Aguablanca, ¿se consideran unos ídolos dentro de su comunidad?
No, decir que somos ídolos es un montón; suena muy fuerte. Nosotros queremos ser referentes, y entre el ídolo y el referente hay una diferencia muy grande. El concepto de ídolo viene mucho más desde el ego, mientras que ser un referente nace de la representación y de las relaciones sociales.
Para nosotros, convertirnos en una referencia ya es un logro gigantesco. Antes los pelados miraban hacia Alexis Play, Cynthia Montaño o ChocQuibTown; hoy también tienen a Junior Zamora, a Dawer X Damper y a muchos más. Mientras más referentes de gente prieta del barrio lográndola se sumen a esa lista, los jóvenes van a ver que no son casos aislados, sino que hay todo un movimiento intentándolo y abriendo camino. Pero ídolos nunca; eso jamás ha estado en nuestra cabeza.